Troisième volet consacré à l’exploration des pratiques de danses anonymes confrontées à la notion d’auteur, le syndrome ian accueille des souvenirs de clubbing et de la nuit. Ni hommage, ni reconstitution.

Dance Concert est un spectacle où la danse crée la musique en s'inspirant du terpsitone, l’un des premiers instruments électroniques mis au point par l’ingénieur russe Léon Theremin à l’entre-deux-guerres, qui permet de générer du son à partir du mouvement.

Transformer un polar en épopée… Avec Même, le chorégraphe Pierre Rigal entremêle danse, chant, parole et musique lors d’une cérémonie contemporaine alternant « épisodes rituels et événements délurés ».

Comment se mesurer à la complexité mathématique de Vortex Temporum, et inventer une danse spectrale se glissant dans les arcanes du temps ? Pour aborder les infimes nuances sonores de l’œuvre de Gérard Grisey, Anne Teresa De Keersmaeker a conçu une structure chorégraphique moléculaire : un tourbillon de danse où chaque danseur répond à un instrument.

Créée en 1979, Dance constitue un moment de synthèse entre l’épure silencieuse de ses pièces antérieures comme Radial Courses et le travail scénique mené avec Philip Glass et Robert Wilson sur l’opéra Einstein on the Beach. C’est avec le même Philip Glass, dont les structures mélodiques répétitives épousent parfaitement l’épure de son langage chorégraphique, qu’elle collabore pour cette première grande pièce conçue pour le théâtre. L’artiste Sol LeWitt s’ajoute à l’équation en proposant un dispositif filmique redoublant et agrandissant le flux de mouvements qui parcourt la scène.

Rain : une pluie, un torrent ininterrompu de mouvements qui se répètent, s’enlacent et se répondent, portant la géométrie minimaliste d’Anne Teresa De Keersmaeker à son point d’harmonie le plus haut. Sur Music for 18 Musicians de Steve Reich, elle a composé un édifice de pure danse, épousant les boucles de la musique, pour l’occasion jouée live par l’ensemble Ictus.

Quelle est la « lumière disponible » qu’évoque le titre de cette pièce ? C’est d’abord celle de l’entrepôt désaffecté où elle a été créée en 1983, et dont les verrières laissaient filtrer la lumière du jour. Mais ce pourrait être le manifeste de cette œuvre limpide, où tout est visible dans une clarté formelle qui n’excède jamais ce que peuvent les corps : une danse ouverte, utilisant toutes les ressources du mouvement pour atteindre un état d’harmonie fusionnelle entre les arts.

Ce que Xavier Le Roy nomme la « machine synchronisante » du voir et de l’entendre repose alors sur la possibilité d’une communauté esthétique et temporelle entre le chef d’orchestre, les spectateurs et les musiciens.

Le chorégraphe Raimund Hoghe poursuit sa confrontation aux œuvres phares de l’histoire de la musique et de la danse moderne. Après le Sacre du Printemps, c’est La Valse de Maurice Ravel qui attire son attention.

Avec Glissement d’infini, Myriam Gourfink conçoit une performance de quatre heures, dans un espace sans frontières, ponctué de quelques chaises et coussins, vous offrant la possibilité d’entrer, d’errer et de sortir à votre guise.

Le Ballet de l’Opéra de Lyon propose de mettre en résonance trois œuvres de son répertoire – toutes trois composées sur la Grande Fugue op.133 de Beethoven et signées par trois chorégraphes majeures de notre temps : Anne Teresa De Keersmaeker, Maguy Marin et Lucinda Childs.

Pièce pour 15 danseurs, Crowd s’inscrit avec force dans le travail de Gisèle Vienne qui, depuis plusieurs années, ausculte minutieusement notre part d’ombre et notre besoin de violence. Un cheminement qui, faisant fi des disciplines artistiques, rend à la scène toute sa puissance cathartique.

Mettre en place un dispositif à la fois construit et ouvert où les interprètes, conviées à participer activement à la création, inventent un espace dynamique, tel est l’objectif de Myriam Gourfink dans ce spectacle dont la musique est signée par Kasper T. Toeplitz.

Avec Glissements, création de Myriam Gourfink pour les salles des Nymphéas au Musée de l’Orangerie, le mouvement glissé au sol et dans l’air se développe lentement dans un flux continu et invite à percevoir l’œuvre de Claude Monet comme un véritable environnement, qui donne l’illusion d’une expansion constante et d’un tout sans fin.

Portés par une musique sensorielle, les jeux de miroir et de lumière dévoilent toute la polysémie des mouvements des danseurs, tel un effeuillage du vocabulaire du chorégraphe dans lequel notre regard est littéralement mis en espace