Désirant laisser résonner leur voix intérieure, les deux créateurs ont prolongé cette recherche autour du décalage narratif par l’exploration du pouvoir de la voix. D’une sirène d’alarme à des cris de bébés, de sons abstraits à des ronflements, différentes nappes sonores se succèdent et proposent un contrepoint inédit au geste. Les vibrations des cordes vocales se mêlent aux mouvements du corps, dans un dialogue entre intérieur et extérieur qui génère en permanence de nouveaux décalages de sens.

Mis en scène par le chorégraphe suédois Jefta van Dinther, remarqué pour son travail au Centre Pompidou et en Europe, The Quiet questionne la notion d’héritage et le passage du temps. Au cœur d’un univers désaffecté cinq femmes, vêtues de blanc, s’avancent lentement sur le plateau, elles chantent, elles récitent et elles prient. D’âges différents, les danseuses semblent se léguer, à chaque instant, une gestuelle ou une parole, ébauche d’une chorégraphie perdue ou oubliée

Avec Glissement d’infini, Myriam Gourfink conçoit une performance de quatre heures, dans un espace sans frontières, ponctué de quelques chaises et coussins, vous offrant la possibilité d’entrer, d’errer et de sortir à votre guise.

Conçue en collaboration avec le compositeur Sébastien Roux, le créateur lumière Thomas Dunn et trois danseurs, cette pièce explore les affinités et les antagonismes entre mouvement, son et lumière.

Pièce pour 15 danseurs, Crowd s’inscrit avec force dans le travail de Gisèle Vienne qui, depuis plusieurs années, ausculte minutieusement notre part d’ombre et notre besoin de violence. Un cheminement qui, faisant fi des disciplines artistiques, rend à la scène toute sa puissance cathartique.

Avec Glissements, création de Myriam Gourfink pour les salles des Nymphéas au Musée de l’Orangerie, le mouvement glissé au sol et dans l’air se développe lentement dans un flux continu et invite à percevoir l’œuvre de Claude Monet comme un véritable environnement, qui donne l’illusion d’une expansion constante et d’un tout sans fin.

La recherche d’une composition chorégraphique qui ne serait rien d’autre que ce qu’elle fait : le perpétuel engendrement de la forme par le mouvement des corps. Sur une musique de Philip Glass et un dispositif filmique de l’artiste Sol LeWitt, Lucinda Childs invente une danse du flux – où viennent se rejoindre son travail avec Merce Cunningham et ses expérimentations au sein du Judson Church Theater.

L'Émoi Sonneur s'installe dans l'espace du théâtre Jean Vilar pour sa nouvelle création Dédalophonie. Le collectif s'empare du mythe du labyrinthe pour questionner notre monde contemporain: réalité, apparence, puissance, urbanité, un et ses multiples, vitesse, utopie… Autant de visions de notre monde revisité par le collectif et ses compositeurs. L'espace du théâtre devient un terrain de jeux fait d'objets, d'images et de danse, un parcours sensoriel aux multiples dimensions.

Atlas, imaginé par le compositeur, mathématicien et chercheur Carmine Emanuele Cella est une œuvre collective par tous ses aspects. Le matériau sonore a été collecté par le public, très en amont de la performance, sur trois sites à Paris, Karlsruhe et Athènes : création d’une cartographie sonore subjective. Deux autres compositeurs, Dimitris Kamarotos et Valerio Tricoli et une vidéaste Marine Gioti, se sont joints à Carmine Emanuele Cella pour exploiter ces sources géo-localisées et les mixer à leur propre électronique.

Les compositions de Tom Johnson s’inspirent de phénomènes mathématiques et ont fréquemment recours à des formules, des permutations et des séquences prévisibles à partir d’un matériau restreint. L’intérêt du compositeur pour les processus logiques se conjugue avec un sens de l’humour qui n’est pas sans rappeler les oeuvres de l’oulipo (Perec, Queneau), et donne à son travail une dimension hautement ludique partagée autant par les interprètes que par le public.

Lucinda Childs poursuit son retour aux sources. La grande chorégraphe de la danse postmoderne américaine s’est plongée dans la reconstruction d’une pièce qui a marqué sa carrière, Available Light.

Avec cette nouvelle machine chorégraphique, Liz Santoro et Pierre Godard entendent ainsi sonder la profondeur des paradoxes et approfondir leurs recherches autour du lien entre mouvement et texte, en s’appuyant sur la musicalité de la voix.

Troisième volet consacré à l’exploration des pratiques de danses anonymes confrontées à la notion d’auteur, le syndrome ian accueille des souvenirs de clubbing et de la nuit. Ni hommage, ni reconstitution.

Pour sa première édition, Échelle Humaine, le festival de danse de Lafayette Anticipations, s’associe au Portrait Anne Teresa De Keersmaeker présenté par le Festival d’Automne. Pendant une semaine, la chorégraphe ainsi qu’Andros Zins-Browne, Eleanor Bauer et Radouan Mriziga s’approprient par le mouvement les espaces de la nouvelle fondation. Anne Teresa De Keersmaeker inaugure Échelle Humaine en reprenant Violin Phase, pièce historique de 1981 chorégraphiée sur la musique de Steve Reich.

Composée de plus de 100 programmes artistiques et de nombreux projets de jeunes artistes qui côtoient les créations de Christoph Marthaler, Marina Abramović, Robert Wilson et Lucinda Childs, la 50e édition est attentive à l’égalité et à la diversité parmi les artistes invités. Lia Rodrigues, Gisèle Vienne, Forced Entertainment et Philip Venables verront leurs œuvres présentées aux publics de toute l’Île-de-France dans le cadre de 4 Portraits, entre reprises, créations, et expositions. Leonor Antunes, artiste visuelle portugaise, présentera une double exposition dans des lieux architecturaux singuliers.