Le plasticien Stéphane Blanquet imagine pour le Studio 13/16 une installation bouillonnante, un foisonnement d’images, de sons et de formes pour saisir les adolescents dans un univers baroque et stimulant.

Chez Alison O’Daniel, cinéma, performance, tissus absorbant le son, sculptures, mobiles et installations deviennent un terrain d’expérimentation. Son travail est influencé par son audition (elle est malentendante).

Les installations monumentales du plasticien norvégien Børre Sæthre engendrent des atmosphères où l’ambiance technologique des panoramas futuristes dévoile ses effets pervers sur les désirs primaires de notre inconscient collectif. L’artiste emprunte les formes du quotidien et les stylise pour bâtir des univers aux résonances aussi envoûtantes qu’inaccessibles. On peut les regarder avec l’oeil de l’architecte, de l’artiste, de l’écrivain, du savant ou du cinéaste, aucun de ces angles de vue ne saurait apporter une conclusion définitive. C’est peut-être là que réside l’essence du projet de Sæthre : le dernier chapitre de notre rêverie cosmique reste à écrire.

Le Centre Pompidou présente la première rétrospective française consacrée à l’oeuvre de Mike Kelley à travers un parcours d’une centaine d’oeuvres réalisées entre 1974 et 2011. Décédé prématurément en janvier 2012, l’artiste américain (né en 1954 à Detroit) a laissé derrière lui une oeuvre prolifique et dérangeante, puisant tout à la fois dans la culture savante et la culture populaire.

Figure de la scène américaine underground depuis le milieu des années 1970, Tony Oursler utilise divers mediums – vidéo, dessins, photos, films, sculptures, bandes sonores et musicales.

Avec The Artificial Nature Project, Mette Ingvartsen poursuit son exploration de la scène comme laboratoire – à la frontière de la physique et du spectaculaire. Comme un microscope grandeur nature, le plateau génère des transformations, déplie différents états de la matière – substance vivante, objets familiers, particules en suspension.

Plus d’une vingtaine d’artistes de nationalités différentes seront présents, encrant le festival dans une volonté de rendre la nouvelle création accessible à un public de plus en plus curieux. Les RIAM affirment leurs volonté d’être un festival défricheur des nouvelles pratiques et esthétiques artistiques.

Au croisement des arts plastiques et de la musique, cette phonothèque se conçoit comme un salon d’écoute et de rencontres autour de l’activité de labels de disques et d’auteurs.

La semaine du Bizarre réaffirme sa particularité suscitant la curiosité d’un public toujours plus large : Des formes artistiques singulières des créations inédites, une programmation élaborée à la manière d’un collage, au gré des rencontres et des propositions de structures amies (theatre, danse, musique , cinema, etc). Elle renvoie à certaines esthétiques marquantes du 20ème siècle, tout en donnant carte blanche à des artistes contemporains, confirmés ou émergents.

L'artiste et musicien japonais Ryoji Ikeda invite le visiteur à entrer dans un univers ultra-contemporain, à faire l’expérience d’une immersion dans l’image, la lumière et un son électronique minimal.

L’œuvre et la pensée prospectives de Nicolas Schöffer trouvent une actualité nouvelle à l’heure où de nouvelles utopies cybernétiques se font jour, et façonnent à nouveau notre univers matériel comme nos imaginaires. Ce contexte justifie la tenue aujourd’hui d’une manifestation examinant en détail le parcours d’une œuvre plus inspirante que jamais.

Depuis plus de 20 ans, Anri Sala (*1974, Tirana) développe une œuvre d’envergure qui explore la porosité des liens entre l’image et le son, et leur relation à l’espace, à l’histoire et au temps. Investissant deux étages du Mudam, cette exposition rassemble plusieurs installations majeures, des films et des dessins, tous créés ces cinq dernières années. Son titre, Le Temps coudé, renvoie à la notion de distorsion, visuelle, sonore, spatiale ou temporelle, qui traverse chacune de ses œuvres.

Un robot puissant et hypnotique se transforme en sculpture chorégraphique activée par une série de concerts : l’exposition déjoue la notion d’oeuvre et de spectacle au profit d’un hommage à la figure d’Ada Lovelace (1815-1852), fille de Lord Byron et mathématicienne anglaise à la vie tumultueuse. L’exposition se double d’un programme de résidence tout au long de l’été dans l’atelier londonien de l’artiste.

Ses matériaux : la musique et le son, dans toutes leurs formes. Ses œuvres prennent la forme de photographies, collages, sculptures, installations, vidéos, performances. A partir de matériaux trouvés, il conçoit aussi des partitions qu'il donne à jouer à des musiciens